Los musicólogos y periodistas especializados, en su estudio de lo que fue musicalmente la década de los 90, consiguieron esclarecer una serie de hechos que, si bien no pueden ser considerados una verdad objetiva, tienen bastante peso y coherencia. Uno de ellos fue la mitificación de la muerte de Kurt Cobain, la cuál, según se analiza, no solo fue la punta de lanza para la decadencia del movimiento“alternativo” en general y Grunge en particular, sino que sirvió para hacer creer, con los años, que ninguna otra banda de su época igualó en popularidad a Nirvana. Pero una mirada más profunda, una mirada más interna y puesta más enla piel de alguien que vivió esos años, demuestra que eso no fue así, había un grupo que llegó a ser en su momento más popular que la banda de Cobain, que además llegó con anterioridad a la escena, y gracias a la cuál (parcialmente, eso sí) se acuñó ese término que algunos consideran correcto, y que por el contrario levanta ampollas entre muchos otros: la etiqueta de Rock Alternativo. El grupo del que estoy hablando es Pearl Jam, un grupo que no solamente representó más claramente lo que fue la moda del Grunge entre 1991 y 1994, sinoque además consiguió ganarse una importantísima y fiel legión de fans en todoel mundo, gracias a su enorme calidad como músicos y a su capacidad para amoldarse a los tiempos venideros manteniendo siempre su sonido original. Bien es cierto que la moda de “lo alternativo” les ayudó a despuntar, y que eran más accesibles y amenos de oír que otras bandas de su momento, pero sería una total injustícia olvidarnos de ellos por esa razón, sencillamente porque ellos, especialmente gracias a su álbum debut Ten, fueron los líderes de la escena, los más populares de los mal llamados “cuatro grandes del Grunge” (sobretodo porque no es seguro que lo que hicieran estos cuatro grupos –Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden- se pareciera remotamente al Grunge).
El Grupo
Si tenemos que hablar propiamente de los orígenes de Pearl Jam como banda, en principio bastaría consituarnos en 1990, justo después de la muerte de Andrew Wood (vocalista de Mother Love Bone), momento en el que se empezó a formar una célula que posteriormente sería Pearl Jam. Sin embargo, los orígenes musicales de estos músicos se encuentran bastante atrás. De hecho, el guitarrista Steve Gossard y el bajista Jeff Ament fueron integrantes de dos grupos antes de ser los fundadores de Pearl Jam; entre 1983 y 1987 fueron integrantes de los míticos Green River, recalando en los ya mencionados Mother Love Bone una vez que se disolvieran los primeros. Tras la muerte de Wood, y con el álbum debut de Mother Love Bone a apenas unas semanas de ser publicado, el grupo decide separarse oficialmente. Es entonces cuando Gossard y Ament deciden grabar una serie de temas en memoria del fallecido Wood, para lo cuál reclutan al guitarrista Mike McCready, y piden prestada ayuda de los miembros de Soundgarden Chris Cornell (vocalista) y Matt Cameron (baterista). Ese proyecto, que empezó como algo que no iba a ir más allá de un par de temas, fue tomando forma hasta convertirse en un disco completo, disco y proyecto para el cuál se colocó el nombre de Temple Of The Dog, uno de los discos que con los años terminaría siendo trascendental para comprender la evolución del “sonido Seattle”. A esas grabaciones se añadió posteriormente el vocalista Eddie Vedder, que más adelante sería requerido por Ament, McCready y Gossard paraformar un grupo más estable. Posteriormente Jack Irons, hasta entonces baterista de Red Hot Chili Peppers, se une al grupo cerrándolo de manera provisional hasta la llegada de Dave Krusen, baterista con el que aguantarían hasta que entraran a estudio por primera vez.
En cuanto a los orígenes del nombre del grupo, cabe decir que son bastante dudosos y que, aún en este momento, ningún miembro del grupo ha dado una explicación convincente de ese origen. De hecho, sus primeros shows juntos los tocaron bajo el nombrede Mookie Blaylock, un jugador de la NBA del cuál Vedder tenía una foto con la que siempre bromeaba. En cuanto al origen del nombre Pearl Jam, Vedder explicaba que venía debido a una mermelada que su bisabuela realizaba utilizando sustancias alucinógenas. Esta teoría, que en principio se consideró una buena explicación para situar el porqué de ese nombre, fue desdeñada posteriormente por muchos fans, que consideraban que simplemente se trataba de una broma de Vedder.
Tras diversos shows por Seattle teloneando a Alice In Chains, y tras grabar una primera demo que dejó muy buena impresión (ayudándoles a aparecer en la película Singles), Epic se fija en ellos y les da la oportunidad de grabar un primer álbum. Justo en ese momento, y cuando parecía que el inicio de Pearl Jam como grupo con futuro iba a empezar de inmediato, Dave Krusen abandona la banda, generando el eterno problema que siempre han tenido los de Seattle con los bateristas. Tras un período de dudas y pruebas, finalmente es el baterista de estudio Dave Abbruzzese el que se incorpora de manera fija al grupo, participando tanto en el debut como en el siguiente disco. La publicación de Ten en 1991 supuso un éxito abrumador, consiguiendo el triple platino en su país, y consiguiendo extraer la friolera de seis singles para Radio y TV (aunque el último Single, el tema Oceans, solo fuera lanzado en Europa). Llenos en todos los conciertos,tanto en Estados Unidos en Europa, actuaciones en festivales del calibre del Rock Am Ring o del Lollapalooza…y finalmente, la polémica estalla, en diversos frentes además. En primer lugar polémica con MTV y demás cadenas de televisión que emitían videoclips, debido a las exigencias que tenían con la banda en materia de imagen y de contenido. En segundo lugar hastío con la prensa en general, que utiliza la moda del Grunge de una manera que el grupo considera incorrecta, interesada y poco fiel a la realidad. Todo ello explotó hasta llevar al “boicot” que llevaron a cabo contra estos medios, negándose a dar entrevistas a ningún medio y absteniéndose de grabar cualquier videoclip para ninguno de sus sencillos. Esta última medida la romperían tras la publicaciónde Yield, en 1998.
Aún y así, no iban a librarse de su fama y de su éxito de masas así como así. Tras la grabación de un Unplugged para la MTV, salía a la calle Vs, segundo disco del grupo. Esperado con una expectación increíble, el disco es un auténtico bombazo en Estados Unidos, vendiendo más de 900.000 copias en su primera semana en las tiendas. Pese a que el grupo ya había dejado clara su postura frente a la prensa especializada, y aunque no llegaran a grabar ningún videoclip promocional, el acoso de las revistas y de los diarios es agobiante.Reportajes, monográficos dedicados a la escena de Seattle, incluso la cara de Eddie Vedder llegó a ser portada de la revista Time. A esa polémica con la prensa pronto se sumaría otra, esta vez con Ticketmaster, la empresa que se encargaba de promocionar y gestionar sus conciertos de esa gira. Según el grupo, esta empresa utilizaba su posición de superioridad para perjudicar tantoa los grupos como a los fans, pidiendo tasas abusivas. Como resultado de una demanda interpuesta por el grupo a Ticketamster por monopolio, el número de shows de la banda en sucesivas giras se redujo a la mitad, no pudiendo salir de Estados Unidos durante 1994. Como resultado de todo esto, Dave Abbruzzese abandona el grupo, volviendo Jack Irons al puesto de baterista.
En 1994 sale a las calles Vitalogy, tercer disco del grupo. Salió a la luz en un contexto difícil, ya que además de los problemas internos del grupo, la escena de Seattle empezaba a dar sus primeras señales de decadencia. La muerte del líder de Nirvana, Kurt Cobain, sentó como un jarro de agua fría entre los músicos de la zona, que lo tenían como referente, y entre los fans, que veían la necesidad de buscar un nuevo ídolo que adorar. Aún y así, Vitalogy recibe una acogida sensacional, superando las 870.000 copias vendidas en una semana. Aún y así los conflictos no cesan, y el nivel de malestar es tal que el grupo opta por tomarse un pequeño descanso y dedicarse a otros proyectos. Destaca, por encimade los demás, la participación del grupo como banda de estudio en el álbum Mirror Ball de Neil Young.
Tras ese pequeño parón, Pearl Jam regresan en 1996 y lanzan su cuarto disco, de nombre No Code.Un disco que dejó bastante dividido a los fans, ya que era algo totalmente diferente a lo que Pearl Jam había hecho hasta entonces. Más pausado, más relajado, y olvidándose casi totalmente de las influencias del sonido Seattle,el disco no terminó de cuajar comercialmente, aunque abrió la puerta al grupo para empezar a experimentar con otro tipo de sonoridades. La promoción de ese disco es más discreta que la de otros trabajos, si bien destacan sus cuatro conciertos como teloneros de los Rolling Stones en 1997 y su participación enel Tibetan Freedom, festival de corte benéfico dedicado a todas las víctimas de la guerra de independencia del Tíbet. En Diciembre de ese mismo año lanzan Given To Fly, sencillo de adelanto del que sería Yield, quinto trabajo del grupo y último publicado durante la década de los 90.
Yield no fue solo unode los discos de mayor éxito del grupo, sino también fue una antesala de la vuelta de Pearl Jam a la normalidad comercial. Se levanta el boicot a las cadenas musicales con la grabación del videoclip de Do The Evolution, a la par que se prepara una gira que los lleve por sitios inóspitos y poco frecuentados por el grupo, como Oceania o Hawaii. Sin embargo, en mitad de uno de sus conciertos, Jack Irons abandona la banda, alegando problemas de salud. Sería Matt Cameron, batería de Soundgarden hasta su disolución, el que le sustituiríaa los parches.
Un año después, en 1999, sale a la luz Last Kiss, una versión de un tema de J. Frank Wilson and the Cavaliers, en formato de single y posteriormente de EP. Ese tema se convierte, desde ese momento, en uno de los grandes éxitos del grupo,recibiendo una enorme difusión en radio.
Una vez terminada la década de los 90 Pearl Jam sacaron tres discos más; Binaural (2000), Riot Act(2002) y su último trabajo, Pearl Jam, publicado en 2006. El grupo sigue en activo en la actualidad, dando conciertos y participando en festivales para promocionar su trabajo más reciente. Del denominado “Grupo de las 4” del Grunge, es el único que ha conseguido mantenerse en activo todo el tiempo.
Los Discos
Ten (1991)
Fecha de salida: 27 de Agosto de 1991
Producción y grabación: Grabado en los estudios London Bridge en Seattle (USA). Producido por Rick Parashar.
Género: Grunge / Rock Alternativo
Publicado por: Epic
Aunque eran unos debutantes, Pearl Jam estaban lejos de ser un grupo novato. No tan solo por la anterior experiencia de sus músicos, sino por el hecho de haber conjuntado el bloque principal del grupo durante las sesiones del álbum de Temple Of The Dog.La llegada de Dave Abruzzesse terminó de cuajar el grupo, que enseguida intentó dejar atrás sus problemas en la formación y trabajar en su primer disco. Y el resultado fue, por mucho que pueda parecer exagerado, insuperable. Ten no es solo el disco cumbre de Pearl Jam, sino probablemente uno de los discos más importantes de los 90, una puerta para entender la explosión comercial del sonido Seattle. El disco resumía todos los elementos que hacían característico el Rock de la zona; melodías sensibles con partes más explosivas (aunque nunca saturadas), letras oscuras e introspectivas, en las cuáles Eddie Vedder hace balance de algunas experiencias de su vida, hits en potencia como Alive, Jeremy o Even Flow, pero también otros temas de increíble calidad como Black, Porch o la final Release. Fue comparado y puesto en balanza con el otro gran disco de aquél 1991, el Nevermind de Nirvana. Sin embargo, la música de Pearl Jam tenía muchas más posibilidades de triunfar que la de Nirvana, era más accesible para las Radios, su sonido no era tan estridente como el de la música de Cobain y compañía, y, efectivamente, se vería con el tiempo que las Radios preferían pinchar Alive que Smells Like Teen Spirit (aunque luego la demanda les hiciera cambiar de opinión).
De hecho, esa fue una de las claves del disco, el éxito de sus sencillos, especialmente de dos temas que quedaron en la memoria colectiva. Alive y Jeremy. El primero de ellos fue el sencillo de adelanto, un tema con un estribillo inolvidable en el cuál se trataba la historia de un niño al cuál le explican que su padre no es en realidad quien creía que era, y que su verdadero padre había muerto sin que se hubiera dado cuenta. El estribillo incluye esa coletilla final de “I’m still alive”, que pretendía, según explicó Vedder en alguna ocasión, ser un doble juego de palabras, al cuál cada uno debía darle el sentido que considerase oportuno.
“son, she said
have I got a little story for you
what you thought was your daddy
was nothin' but a....
while you were sittin'
home alone at age thirteen
your real daddy was dyin'
sorry you didn't see him
but I'm glad we talked...
I...I...I'm still alive”
En cuanto a Jeremy, el otro gran éxito del disco, seguía con la temática de jóvenes con infancia problemática, en esta ocasión narraba la historia de un chico al cuál sus padres ignoraban por completo, siendo la escuela el único lugar en el que podía sentirse, aunque fuera remotamente, como en casa. El videoclip (en el cuál termina explicando el suicidio de Jeremy) de este tema tuvo emisión masiva en MTV, que lo bombardeó a todas horas, al igual que hacía con los videoclips de Nirvana. La respuesta del grupo a semejante presión comercial fue clara; no se rodarían más videoclips en los discos sucesivos. Sí grabaron dos videos más para promocionar Ten, los correspondientes a Even Flow y Oceans (todos ellos disponibles desde el flog).
“Daddy didn't give affection, no
and the boy was something
that mommy wouldn't wear
King Jeremy the wicked
oh, ruled his world
Jeremy spoke in class today”
En general, toda la temática lírica del disco va por los mismos derroteros. Historias oscuras, truculentas, de desamor y dolor,señal del desencanto emocional que los músicos de esa generación y de ese tiempo estaban viviendo. Aún y así, Pearl Jam estaban lejos de ser los tipos con las letras más duras y agónicas, y en todas esas canciones se observa,aparte de toda la desolación, una tenue luz de esperanza.
También es curiosa la razón del nombre del disco.Eligieron el nombre Ten, ya que era el dorsal que el jugador de baloncesto Mookie Blaylock llevaba a la espalda, jugador del cuál Vedder tenía una foto de la que constantemente se burlaba. El disco consiguió el triple platino en Estados Unidos, convirtiéndolos en una de las bandas punteras no solo del Grunge, sino del Rock en general en esos años. Consiguieron tocar con bandas del nivel de Smashing Pumpkins o Red Hot Chili Peppers, y más importante aún,se ganaron el respeto suficiente para iniciar una carrera prolífica, venerada por muchísimos músicos y críticos. De hecho, según la mayoría de estos críticos, ningún otro disco de la banda iguala la calidad de este Ten, que roza la perfección no solo en su música y en sus letras, sino también en su sonido.Eso fue algo que, se verá con el tiempo, fue rara avis en los discos del grupo.
Disco disponible desde Albumbase.
Vs (1993)
Fecha de salida: 19 de Octubre de 1993
Producción y grabación: Grabado en los estudios The Site de California y Potatohead de Seattle (USA). Producido por Brendan O'Brien.
Género: Grunge / Rock Alternativo
Publicado por: Epic
Si bien Ten fue un trabajo que no lograrían llegar a superar posteriormente, hubo una serie de aspectos de ese disco que no terminaron de agradar al grupo. Uno de ellos, y seguramente el más importante,fue la producción. No contentos con el trabajo de Rick Parashar como productor,es sustituído por Brendan O’Brien, con el cuál enfocarán ese cambio de sonido que deseaban hacer. Explico esto por que esa es la razón principal del sonido que nos encontraremos en Vs. Un disco más crudo, más directo, menos amigable a las radios, que intentaba concentrar la esencia de la música de Seattle en esa época. Ese cambio de sonido, junto a la negativa del grupo a rodar videoclips y a pisar los platós de televisión terminó afectando el éxito comercial que podría haber tenido ese álbum. Aún y así, logró pulverizar records, como por ejemplo el haber conseguido vender más de 950.000 copias durante su primera semana de ventas.
No solo cambia la producción y la filosofía del grupo, cambia también su actitud, más intensa y menos melancólica, tratando de dar algo más en su música. Vedder deja de mirarse el ombligo y abandona la temática autobiográfica, y comenta aspectos más genéricos, incluso empieza a dibujar lo que luego sería un tema recurrente tanto en la música como en la actitud del grupo: la crítica social.
“a dissident is here
escape is never, the safest path
a dissident, a dissident is here
and to this day, she’s glided on
always home but so far away
like a word misplaced
nothing said, what a waste
when she had contact...with the conflict...
there was meaning, but she sold him to the state
she had to turn around
when she couldn´t hold...she folded...”
La gira de este disco vino acompañada por una fuerte polémica, en primer lugar por el boicot que el grupo realizó a todos los mediosde comunicación de masas tras la excesiva propaganda que ellos entendían que estaban recibiendo (con portada en el Time incluída). En segundo lugar, el conflicto con Ticketmaster por el precio de las entradas recortó drásticamente el número de conciertos que pudieron realizar. Dave Abruzzesse abandonó el grupo tras esa gira, sustituyéndolo el Ex-Red Hot Chili Peppers Jack Irons.
Aunque siempre se mantuvo a la sombra de Ten, para muchos fans de la banda VS es superior como disco. Ciertamente es un trabajo honesto, ya que el grupo podría haber tomado el rumbo fácil e ir a por un disco más cómodo, y en vez de eso decidió jugársela con un disco más crudo y de promoción escasa. No consiguieron ser superventas, pero se ganaron de manera incondicional el respeto de sus fans más acérrimos.
Disco disponible desde Albumbase.
Vitalogy (1994)
Fecha de Salida: 6 de Diciembre de 1994
Producción y grabación: Grabado en los estudios Bad Animals en Seattle, Southern Tracks Recordings y Doppler en Atlanta, y Kingsway Studio en Nueva Orleans (USA). Producido por Brendan O'Brien.
Género: Grunge / Rock Alternativo
Publicado por: Epic
1994 fue un año difícil para toda la escena de Seattle. La muerte de Kurt Cobain no solo supuso el final de Nirvana como banda, sino el inicio de un proceso de decadencia y posterior desintegración del Grunge como movimiento musical imperante en los 90. Su muerte no causó indiferencia entre los diversos grupos de la zona, y en concreto Pearl Jam sacó este Vitalogy en cierto modo para homenajearle (aunque no era ni mucho menos un disco tributo). Según palabras de Vedder, este disco era “un canto a la vida”,una apología del vitalismo que tan olvidado estaba en esos años. En efecto, los temas que componen este disco no tienen la densidad lírica ni musical de anteriores trabajos, y aunque baladas como Nothingman devuelvan el espíritu melancólico al grupo, la impresión global de este disco es que es un trabajo optimista, aunque siempre se mantiene dentro de la cruda realidad, que tanto Pearl Jam como otros grupos narraban en sus letras.
El disco fue editado en dos ediciones, vinilo y CD. La edición de vinilo fue un éxito de ventas, ya que, pese a que empezaba a estar descatalogado como formato en las tiendas, era, durante las primeras semanas, la única manera de conseguir ese disco. Varias semanas después salía la edición en CD, en un formato libro-disco bastante curioso, que intentaba emular la novela del mismo nombre. El disco rozó las 900.000 copias venidas en su primera semana, consiguiendo además llegar al quíntuple platino. Este serí ael inicio de una serie de diseños bastante curiosos en cuanto al artwork de los discos de Pearl Jam, que continuaría con las logradas fotografías polaroides de No Code. Pero eso será más adelante.
Musicalmente cabe decir que, al margen de ese nuevo espíritu vitalista que insuflan a su música, también deciden alejarse progresivamente del Grunge más ortodoxo. Desaparecen los toques rabiosos del sonido Seattle, y se incluyen influencias de la música de raíces, como el Blues o el Rock Americano. Temáticamente el disco también es muy variado, no solo incluyendo historias de corte sentimental o las ya presentes letras de denuncia social, sino también una fuerte crítica a la presión de la fama, y a cómo los medios de comunicación ejercían esa presión sobre músicos sin experiencia.
“Restless soul, enjoy your youth
Like muhammad hits the truth
Cant escape from the common rule
If you hate something, dont you do it too...too...
Small my table, a-sets just two
Got so crowded, I cant make room
Oh, where did they come from?
Stormed my room!
And you dare say it belongs to you...to you...
This is not for you
Oh, not for you...ah, you...
...scream...my friends...dont call me...
...friends, no they dont scream...
...my friends dont call...my friends dont…”
Si se analiza el contexto del grupo en ese disco,se entenderá gran parte de la razón de esa crítica. El conflicto con Ticketmaster por la venta de entradas había hecho bastante daño al grupo, que se vio obligado a tocar en sitios más pequeños y a reducir sus giras prácticamente a la mitad de conciertos (en 1994 ni siquiera pudieron pisar Europa). Este hecho, junto al eterno problema de la inestabilidad de la plaza de baterista, terminaron generando un punto y aparte en el grupo, que decidió darse una pequeña tregua y dedicarse a otras cosas hasta que todo estuviera más calmado. Dos años después regresaron.
Disco disponible en Albumbase.
No Code (1996)
Fecha de salida: 27 de Agosto de 1996
Producción y grabación: Grabado en la Chicago Recording Company de Chicago; Estudios Southern Tracks Recordings y Doppler de Atlanta, y Estudios Litho de Seattle (USA). Producido por Brendan O'Brien.
Género: Rock
Publicado por: Epic
Con el Grunge ya enterrado, y con la banda en plena forma tras haber superado todos los conflictos del pasado, Pearl Jam daban otro giro radical a su sonido en No Code. Si Vitalogy era un canto a la vida y undisco lleno de fuerza y energía, este No Code era un disco más lento, calmado,reposado, en ocasiones incluso triste. Algún tema como Habit o Hail, Hail recordaba a esos Pearl Jam más animados de sus primeros trabajos, pero por lo general lo que predomina es la introspección, una vez más ese halo de melancolía y semitristeza que lo inunda todo. De hecho, la ruptura con su pasado musical es tal que los fans incluso llegaron a dividirse en dos bandos tras ese disco; los que se quedarían con los tres primeros trabajos del grupo,y los que continuarían con ellos hicieran lo que hicieran. Lo cierto es que comercialmente el disco fue un batacazo (comparándolo con las extraordinarias cifras de otros trabajos), y la crítica no dudó en considerarlo un paso atrás en la carrera del grupo. Aún y así a ellos parecía no importarles, de nuevo habían hecho lo que habían querido, y habían dado que hablar. Y seguían sin ofrecer ruedas de prensar ni grabar videoclips.
Al margen del cambio musical y lírico, lo que más soprendió de este No Code fue su artwork. La portada del disco constaba de un total de 144 imágenes captadas desde una Polaroid, que ocupaban un espacio de 2x2 mm en la carátula. De estas fotos, una serie de ellas estaba en negativo, generando un triángulo que se mencionará subliminalmente durante el disco. En el interior, además, nos encontrábamo snueve paquetes de imágenes, a tamaño normal, con un fragmento de cada letra de cada canción en cada foto, siguiendo una secuencia lógica que te llevaba a tener la letra entera en una línea de fotografías. Una excentricidad que llegó a llamar la atención incluso más que la propia música que contenía el disco.
No Code fue el último disco de Jack Irons en la batería de Pearl Jam.
Disco disponible en Albumbase.
Yield (1998)
Fecha de salida: 3 de Febrero de 1998
Producción y grabación: Grabado en los Estudios Litho y X de Seattle y en Southern Tracks Recordings y Doppler, en Atlanta (USA). Producido por Brendan O'Brien.
Género: Rock Alternativo
Publicado por: Epic
La marcha de Jack Irons volvía a dejar huérfano el puesto de batería, la eterna pesadilla de Pearl Jam durante los 90, con el añadido de llegar en un momento en el que realmente parecía que la formación ya estaba asentada. Matt Cameron llegó para sustituírle, aprovechando que su carrera con Soundgarden ya estaba terminada. En ese contexto sale Yield, un disco que devuelve la confianza de crítica y fans en el grupo, tras aquél paso en falso que fue No Code, y que nos trae de nuevo a los Pearl Jam enérgicos y furiosos de sus primeros discos. En realidad, Yield es la suma de los cuatro álbumes anteriores, ya que se mezclan las sonoridades más clásicas de la banda con la experimentación existente desde Vitalogy. El disco consigue aproximarse a las 400.000 copias vendidas en su primera semana, logrando finalmente un millón y medio de copias vendidas en Estados Unidos.
Una de las cosas por las que destaca este disco es el hecho de que, finalmente y tras seis años, Pearl Jam deciden grabar un videoclip. Sería para el tema Do The Evolution, un videoclip hecho a través de dibujos animados que incluso llegaría a ser nominado en los Grammy, en la categoría de “Mejor videoclip”. Otros temas, como Given To Fly, sonaron intensamente en Radio, llegando incluso a ser número uno en la lista del Billboard.
Tras este disco la formación se asentó, de hecho Matt Cameron sigue siendo el baterista de la banda en la actualidad, y la relación con los medios fue calmándose poco a poco. Pese a eso, aún tendremos que esperar cinco años más para ver a Pearl Jam en una rueda de prensa.
Volviendo al disco en sí, otra de las claves es la madurez que ya han conseguido en las letras. Siguen siendo críticos cuando toca, y siguen sabiendo expresar y narrar historias cuando hay que hacerlo, pero a partir de este disco consiguen la madurez necesaria para sonar absolutamente creíbles (aunque antes ya lo hicieran). Ante el dilema “renovarse o morir”, Pearl Jam optó por lo contrario que sus contemporáneos de escena; la renovación, la evolución.
“I’m ahead, I’m a man
I’m the first mammal to wear pants, yeah
I’m at peace with my lust
I can kill ’cause in God I trust, yeah
It’s evolution, baby”
En 1999 conseguirían también su último éxito durante la década, gracias al tema Last Kiss, versión deuna canción de J. Frank Wilson & The Cavaliers, muy radiable, que logró una enorme difusión en Radio. Tras esto llegaría de nuevo la experimentación, la reconciliación con los medios, la campaña anti-Bush, etc…pero todo esto ya se sale de nuestro marco temporal.
Disco disponible en Albumbase.
Enlaces de interés
Wikipedia.
Web Oficial.
MySpace.
Fanzine no oficial.
Una de las discusiones más encarnizadas que ha dado la música de los años 90 ha sido la de la discusión del significado del término Grunge. Considerado en principio como un simple mote de corte comercial, las teorías que han surgido sobre el significado de esta palabra han sido varios. Por un lado, están los que consideran el Grunge como una corriente musical que empezaría a despuntar a finales de los 80 y principios de los 90, en la cuál se trataba de fusionar la rabia y la actitud del Punk primigenio con la contundencia y la fuerza del Hard Rock ochentero, situando a bandas como Alice In Chains, Pearl Jam o Nirvana entre los nombres más destacados de esa corriente. Frente a esa idea están aquellos que defienden el Grunge como algo con mucha más antigüedad, un género que despuntaría en el Underground de la pequeña ciudad de Seattle, una escena local que, antes de despuntar hacia el éxito, ya contaba con bandas importantes dentro de la escena como The Melvins, Meat Puppets o Green River. Finalmente, existe otra tercera opinión que sitúa al Grunge fuera del mundo musical; no existía realmente un sonido definible como Grunge, cada grupo tocaba su Rock como creía más oportuno hacerlo, lo que realmente les unía era su actitud, su visión del mundo. Nuevamente se evocaba al final de los años 70, cuando bajo la consigna del “No Future” miles de adolescentes sembraban el caos en las calles de Londres. Sin ser tan violento, sí que encontamos en el Grunge mucha desesperación, mucho odio, un gran vacío existencial en los artistas del género que no podían llenar con nada, y que a menudo les hacía caer en la automarginación y, aún peor, en la drogadicción.
Pese a las discrepancias tan evidentes que hay entre prensa, aficionados y musicólogos en este aspecto, hay un hecho que la mayoría da por sentado, y es que, a nivel comercial, Nirvana fue el grupo que más éxito cosechó dentro de ese género (para algunos sin ni siquiera ser una banda “genuinamente” Grunge). Al margen de si forman parte o no de esa corriente o estilo, hay un hecho, y es que pocas bandas alcanzaron,desde una escena local, tanta repercusión mediática y generaron tanta influencia en músicos posteriores como la que consiguió crear el trío de Aberdeen.
El Grupo
La historia de Nirvana comienza en 1985, cuando el guitarrista Kurt Cobain y el bajista Krist Novoselic, dos amigos de instituto, decidieron crear un grupo de música con el que dar rienda suelta a su creatividad. Fuertemente inspirados por la escena que ya se respiraba en Seattle en esos años, y fervientes admiradores de The Melvins, la banda grabó varias demos y cintas incompletas,sin tener una formación clara y ni siquiera un nombre fijo (antes de llamarse Nirvana adoptaron nombres como Fecal Matter o The Sellouts). En 1989 consiguen asentarse, contratan al baterista Chad Channing y graban Bleach, su primer larga duración, publicado a través de Sub Pop. Grabado en tres días con un presupuesto total que apenas llegaba a los 600 dólares, Bleach es un disco crudo, primigenio, en ocasiones hasta chirriante y molesto. Aún y así ya sedejaba entrever el talento incipiente de Kurt Cobain, tanto en temas duros como Negative Creep o School, como en la media balada About a Girl, que incluso llegó a gozar de un pequeño éxito dentro de la escena de la época. Aún y así, globalmente el éxito de Bleach podría decirse que fue bastante discreto. Decir, como curiosidad, que Jason Everman forma parte de los créditos del disco como segundo guitarrista, cuando en realidad ni siquiera participa en el álbum. Era el modo que tenía la banda de agradecerle el hecho que fuera él quién pagara prácticamente todo el dinero de lo que costaba producirlo. Tras la pequeña gira de presentación que hicieron del disco por Estados Unidos, él y Chad Channing abandonaron el grupo, llegando como sustituto el baterista Dave Grohl.
Por influencia de Kim Gordon (Sonic Youth), y tras abonar la suma de casi 275.000 dólares, Nirvana consigue abandonar Sub Pop y fichar por Geffen, sello con el cuál grabarían su segundo álbum en 1991, el ya clásico Nevermind. Dejando a un lado las claves del disco (que serán comentadas más adelante), el éxito de Nevermind fue una sorpresa mayúscula. Se comenta que gran parte de la clave del éxito tan masivo estuvo en la producción de Andy Wallace, que liberó la placa original de la pesadez de las grabaciones originales, creando un sonido mucho más limpio y accesible al público. Tras eléxito de Nevermind llega la locura; giras mundiales, actuaciones constantes en televisión, una cobertura mediática asfixiante, el videoclip de Smells Like Teen Spirit pasando cada media hora en MTV… El éxito llega realmente a perturbar a Cobain, que tiene miedo que esa popularidad afecte la calidad real de su música. En 1992 contrae matrimonio con la vocalista de Hole Courtney Love, con quien tendrían una hija a la que llamarían Frances Bean.
Hastiados por la persecución constante de la prensa, el grupo se niega a ceder a las peticiones de Geffen de grabar otro disco de estudio para aprovechar el éxito, razón por la cuál el sello saca en 1992 el recopilatorio Incesticide, una colección de Caras-B y de rarezas debidamente re-editadas para la ocasión. Mientras tanto,el grupo seguía trabajando en lo que tenía que ser su tercer disco de estudio,con la clara consigna de no repetir los errores cometidos en Nevermind, y ofrecer algo que realmente satisfazca a la banda. Para la grabación de In Utero se despojan de todo lo relacionado con su anterior obra. Contratan a Steve Albini, con el cuál están seguros de conseguir un sonido más denso, más sucio y menos accesible a las radios. El álbum, pese a que realmente representaba el sonido que la banda quería dar, no llegó a agradarles en exceso, sobretodo a Cobain, que vió, una vez editado el disco, como algunos de los temas no estaban grabados como él quería. Más adelante salieron versiones alternativas de esos temas, en diversos Singles. Aún y así la fórmula funciona, y consiguen que aquellos que se engancharon a Nirvana porque estaba de moda dejen de prestarles tanta atención, quedando una audiencia bastante menor, pero que en principio se suponía que entendía mejor la idiosincracia de la banda.
Pocos meses después el grupo aceptaría participar en los clásicos MTV Unplugged, conciertos en formato totalmente acústico en los que los grupos sacaban su otro lado a escena. El acústico de Nirvana fue editado en 1994, grabado en los estudios Sony de Nueva York el 18 de Noviembre de 1993, y en él se podía ver que prácticamente renegaban del éxito de Nevermind, tocando unas pocas canciones del disco. El grueso de su setlist se fundamentaba, especialmente, en temas de In Utero y sobretodo, en versiones de grupos como Leadbelly, David Bowie o Meat Puppets (que participarán durante la actuación).
La historia de Nirvana termina el 8 de Abril de 1994, cuando la polícia descubre el cuerpo sin vida de Kurt Cobain en su residencia de Seattle. Un mes antes el cantante ya había estado a las puertasde la muerte, cuando fue ingresado en Roma por una reacción a pastillas conalcohol. Pese a que la teoría oficial apunta claramente al suicidio, con los años ha ido tomando forma una segunda teoría, que apuntaría a una conspiración de su mujer, Courtney Love, con intereses económicos. En cualquier caso, la muerte de Cobain causó un revuelo espectacular en todo el mundo, llegándose a comparar su muerte con la de otros ilustres músicos como Jim Morrison, John Lennon o Jimi Hendrix.
Tras la muerte de Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl continuaron en el mundo de la música,siendo el ex-baterista el que más fortuna tendría con su banda Foo Fighters, enla cuál Grohl pasa de ser un simple músico rítmico a ser el alma y voz cantante del grupo, mostrando unas nada despreciables dotes de composición.
Los Discos
Las tres publicaciones más importantes de la banda durante los 90: Nevermind, el Caras-B Incesticide e In Utero.
Nevermind (1991)
a)Ficha técnica
Fecha de salida: 24 de Septiembre de 1991
Producción y Grabación: Grabado en los estudios Sound City de California. Producido por Dutch Vig y mezclado por Andy Wallace.
Género: Grunge / Rock Alternativo.
Publicado a través de Geffen.
b)Comentario
La llegada de Nirvana a una discográfica de nivel como Geffen iba a permitir a la banda tener más recursos para concebir un producto con un sonido de calidad. Sin embargo, el grupo se mostró fiel a sus principios, y para su segundo álbum de estudio recurren de nuevo al productor Dutch Vig, con quién ya habían trabajado anteriormente, que sigue en la línea de dar un sonido rocoso y oscuro a lo que hagan. Sin embargo todo cambió una vez que el disco llegó a las manos de Andy Wallace, encargado de las mezclas del disco. De manera sistemática fue limpiando al álbum de cualquier reminiscencia de sonido oscuro o maquetero que pudiera tener, sustituyéndolo por un sonido que, sin perder su contundencia inicial, resultaba más claro, más ameno, y lo más importante, más fácil de pinchar para las radios. Entrevistas posteriores evidencian el descontento de Kurt Cobain al respecto, considerandoque aquella mezcla había convertido su álbum en pasto de las radios, alejándolode lo que él quería hacer en realidad.
En principio, la tirada inicial de Nevermind no era de más de 500.000 copias. Era su techo, no daba la sensación que aquél disco fuera a ir mucho más allá (tampoco era su intención en realidad). Todo eso cambió por completo cuando MTV empezó a emitir el videoclip de Smells Like Teen Spirit en batería continúa. Aquella canción, aunque ahora nos resulte pesada o trillada, reflejaba de manera clarísima un cambio generacional, el nacimiento de lo que más adelante pasó a considerarse como Rock alternativo. Cinco minutos de rabia sonora, que se convirtieron en un himno exponencial de lo que luego pasó a llamarse Generación X. Las bandas de Hair Metal, que habían reinado casi hegemónicamente durante los 80, empezaban a recapitular; el sonido que gobernaría la primera mitad de los 90 había salido a la luz.
A partir de ese instante la locura colectiva se desata. El disco comienza a subir en todas las listas imaginables, llegando a desbancar al rey de ventas Michael Jackson, y alcanzando, solo en Estados Unidos, la cifra de más de 12 millones de copias vendidas. Lo que en principio parecía un error por la parte de Wallace estaba generando un relevo generacional en la música.
Aunque, evidentemente, sería injusto darle el mérito solamente a esa mezcla, ya que lo que realmente hizo grande a ese disco fue tanto su calidad como su homogeneidad. Melodías inspiradas, ritmos de batería contundentes pero asimilables por cualquier tipode audiencia, unas letras que evocaban sentimientos contradictorios como el amor, el odio, la tristeza o la depresión, y que también fueron objeto de debate en su momento (de hecho, existe una desternillante parodia de SmellsLike Teen Spirit realizada por Weird Al Yankovic en la cuál se afirma que esas letras son “sucesiones aleatorias de palabras sin sentido”). Era evidente que Kurt quería transmitir y emocionar, pero no ser excesivamente cristalino (la cosa cambiaría posteriormente).
I'm so happy / Cause today I found my friends /They're in my head / I'm so ugly / But that's ok / 'Cause so are you. / We've broke our mirrors / Sunday morning. / Is everyday for all I care / And I'm not scared / Light my candles / In a daze cause I've found god.
Salieron cuatro sencillos con videoclip de ese disco, todos ellos de una calidad exquisita; la propia "Smells" (que terminó siendo aborrecida por elpropio Kurt, que se negó a tocarla una vez terminada la gira de Nevermind), el medio tiempo Come As You Are, y las más cañeras Lithium e In Bloom. Aún y así, la magia de ese álbum no terminaba en los singles, ya que Kurt explota todas sus facetas en esa placa. Desde temas de puro odio y actitud destructiva como Territorial Pissings, hasta baladas melancólicas (no exentas de polémica) como Polly o Something In The Way. Entre medio otros grandes temas un poco más olvidados, como Breed, Stay Away, On A Plain, Lounge Act… Una versión editada del disco incluía un tema extra, Endless, Nameless, grabado durante una de las sesiones fallidas de Lithium. Por un error de impresión, ese tema desapareció del disco en la mayoría de ediciones, que dejaron el disco con las doce pistas originales.
Álbum disponible a través de Albumbase.
Incesticide (1992)
a) Ficha Técnica
Fecha de Salida: 14 deDiciembre de 1992
Grabación y Producción: Colección de caras-b, rarezas y versiones alternativas de temas no incluídos en sus dos discos de estudio. Jack Endino, Butch Vig o Dale Griffin son algunos de los productores que tomaron parte de esas sesiones. Temas grabados entre 1988 y1991.
Género: Grunge / Rock alternativo
Publicado conjuntamente por Geffen y Sub Pop.
b) Comentario
El éxito masivo de Nevermind superó cualquier expectativa posible. Lo que antes era sorpresa y rostros atónitos se convirtió, por la parte de Dave Geffen, en ganas de explotar y sacarle toda la lana posible a su nueva oveja dorada. Las presiones de la compañía al grupo para que sacara otro disco rápido para aprovechar el éxito cosechado con Nevermind recibieron la negativa constante de la banda, que se negaba a jugar al juego que tanto su sello como los “Mass Media” estaban diseñando para ellos. Fue en ese contexto cuando Geffen, en colaboración con Sub Pop, decidieron sacar a la luz Incesticide, una colección de diversas Caras-B, rarezas y temas no editados grabados durante los primeros años de vida de la banda (Muchas de ellas aún con Chad Channing a la batería). También incluían, al margen de estas sesiones oficiales, unos cuantos temas grabados en los estudios de la BBC en Londres y un par de versiones del grupo The Vaselines (Molly’s Lips y Son Of A Gun).
Realmente este disco no pasaría de ser algo anecdótico (de hecho, apenas tuvo trascendencia real en cuanto a ventas) si no fuera por la increíble calidad que rezuma para ser un disco de Caras-B y descartes. Temas como Dive, Sliver (editado posteriormente como Single), o Aneurysm, que solían tocar con bastante asiduidad en sus conciertos, nos muestran por un lado a un grupo que parecía incapaz de grabar algo falto de talento, y por otro lado a Kurt Cobain en su versión más quisquillosa y selectiva,tomando como descartes lo que muchísimos grupos habrían elegido como sencillos. Curiosidades como una nueva versión de Polly, la regrabación de temas como Downer (publicado originalmente en Bleach), y las dos versiones deThe Vaselines (perfectamente llevadas al terreno de Nirvana) terminan de dar consistencia a esta curiosidad que, en cualquier caso, prácticamente tiene la calidad de un disco de estudio.
Disco disponible en Albumbase.
In Utero (1993)
a) Ficha Técnica
Fecha de Salida: 21 deSeptiembre de 1993
Grabación y Producción: Grabado en los estudios Pachyderm de Minnesotta, y remezclado en los estudios BMG Ariola de Río de Janeiro (Brasil). Producido por Steve Albini. Mezclas a cargo de Scott Litt.
Género: Grunge / Rock alternativo.
Publicado por Geffen.
b) Comentario
Finalmente, en Febrero del 93 la banda se decide a grabar el que sería su tercer y último disco de estudio. Conscientes de que su llegada al mainstream ha minado la confianza de algunos de sus seguidores más veteranos, el grupo decide cambiar totalmente de equipo de grabación y contrata a Steve Albini (famoso por producir discos de culto como Surfer Rosa de Pixies). El cambio no es solo de equipo, también existe un cambio en la intencionalidad dela música de Nirvana en este álbum. Los temas ya no siguen el patrón prototípico de canción Grunge (verso relajado, estribillo con distorsión y repetir), sino que tratarán de dar un enfoque diferente a los temas, con más experimentación, distorsión y muchos slides de guitarra que se irán oyendo a lo largo del álbum.
El proceso de grabación del disco duró apenas unos días, siendo claramente la grabación más rápida que los de Aberdeen habían realizado. Sin embargo, tras ella Albini se llevó los originales para mezclarlos. Posteriormente Scott Litt (productor de REM) se llevó las cintas a Río de Janeiro, donde realizó remezclas de los temas Heart-Shaped Box, All Apologies y Pennyroyal Tea, razón por la cuál Cobain protestaría en los medios, ya que según él “esas canciones no fueron mezcladas como debían serlo”. A posteriori, una vez que el disco ya estaba en las calles, se realizaron nuevas mezclas, más del agrado del grupo, que se editarían en Singles.
No solo hubo una modificación en la música y en el sonido de Nirvana, también lo hubo en el aspecto lírico. Si antes las letras de Cobain eran de una gran abstracción, y apenas se podía entender nada, en este disco los mensajes ya son un poco más directos y esclarecedores. Mucha interiorización, mucha explicación de todo aquello que a Kurt hacía sentirle mal, incluso una autoparodia en Rape Me, burlándose a sí mismo del éxito que tuvo Smells Like Teen Spirit. También destaca la presencia en las letras de Frances Bean, hija que tuvo Kurt con su mujer Courtney Love, dedicándole incluso una canción entera (Frances Farmer Will Have Her Revenge On Seattle).
“It's so relieving to know that you're leaving as soon as you get paid
It's so relaxing to hear that you're asking wherever you get your way
It's so soothing to know that you'll sue me,this is starting to sound the same
I miss the comfort in being sad...”
Por lo demás el disco se mueve entre distorsiones y temas bastante más duros de lo que habían grabado con anterioridad. Notaron en parte el cambio, ya que mucha gente que solamente seguía a Nirvana atraída por el peso de las modas los abandonó con este disco.Aún y así no se libraron ser una banda de éxito, y aunque no consiguieron las cifras astronómicas de Nevermind, llegaron al número uno del Billboard. Aquí en España el disco no tuvo tanta repercusión, pese a que llegó a estar entre los 20 primeros de AFYVE durante unas semanas.
Una de las cosas que destaca más de In Utero es su artwork. Con muchas referencias a la anatomía y al sexo en su sentido más anatómico (valga la redundancia), llegó a ser censurado en algunas grandes superfícies de Estados Unidos. La portada reflejaba el dibujo anatómico de un ángel embarazado, con sus órganos vitales perfectamente visibles, y de fondo dibujos abstractos que trataban de dar representación al útero. También, en la carátula trasera, encontramos esos úteros, acompañados de diferentes símbolos religiosos de la fertilidad. También las asociaciones feministas protestaron ante títulos como Rape Me (cuya traducción sería algo cercano a Viólame), por considerarlas denigrantes. En cualquier caso, este disco consiguió lo contrario de lo que el grupo quería, y no pasó para nada desapercibido. Es más, Heart-Shaped Box llegó a ser número uno en Singles, con un magnífico videoclip que seguía por la misma línea anatómica y abstracta del artwork, y que, aunque entonces aún parecía lejano, ya empezaba a evidenciar el principio del fin.
Disco disponible en Albumbase.
Enlaces de interés
Wikipedia.
Nirvana-Music (Website con notícias sobre la banda y sobre sus ex-miembros).
Nirvana Fan Club (Fansite Oficial).
Kurt Cobain (20 de Febrero de 1967 - 8 de Abril de 1994)
